Sur sa Hope Tour, Angélique Kidjo déploie l’une des voix les plus marquantes d’Afrique. Lauréate d’un Grammy, elle mêle ses racines ouest-africaines à l’afrobeat, à la soul et au funk pour tisser un paysage sonore vibrant et rythmé. Des titres comme «Mother Nature» relient les générations, de Salif Keita à Burna Boy, et portent des valeurs de dignité, de solidarité et de joie de vivre. Entourée d’un groupe énergique, Kidjo irradie passion, mouvement et chaleur partagée.
Sur scène, Édouard Louis porte le texte mis en scène par Thomas Ostermeier : un monologue court et implacable qui observe l’épuisement prématuré du corps paternel et désigne les responsabilités sociales qui l’ont marqué. Une suite de fragments mêle colère, désir de vengeance et tendresse infinie. La scénographie de Nina Wetzel, les costumes de Caroline Tavernier et la lumière d’Erich Schneider créent un dispositif sobre et intime, soutenu par la musique de Sylvain Jacques et la dramaturgie de Florian Borchmeyer et Élisa Leroy.
En français.
Mise en scène par Marie Wyler et adaptée du roman de Violaine Bérot, Comme des bêtes raconte un homme surnommé «l’Ours», dont la différence trouble un village d’altitude après que l’on signale la présence d’une fillette près de sa grotte. Interprété par Marie Probst, Marie Ruchat, Alexandra Tiedemann et David Casada, le spectacle, entre conte et roman policier, interroge l’apprivoisement entre humains et autres formes du vivant. Les costumes de Giulia Muniz, les lumières de David Kretonic et la création sonore de Rudy Deceliere installent une atmosphère tendue et mystérieuse qui met en question les limites de la rationalité.
Créée par le Collectif Humagine, La baleine 52 hertz interroge l’autisme et la pensée neurodivergente par un langage théâtral intimiste. Écrite et jouée par Valentina Luporini et Cédric Schaerer, la pièce met en regard la voix dramaturgique de Luporini et la pratique multi-instrumentale de Schaerer, qui façonnent ensemble son paysage sonore. La compagnie, fondée en 2023, réunit des artistes du théâtre, du cirque et de la musique pour explorer mécanismes de compensation, processus d’apprentissage, charge émotive et langages propres à l’autisme, avec une attention particulière aux expressions féminines souvent sous-diagnostiquées.
Leonardo García Alarcón et sa Cappella Mediterranea, en collaboration avec le Ballet du GTG, présentent l’opéra-danse Castor & Pollux de Jean-Philippe Rameau. L’œuvre, rarement jouée dans sa version de 1737, explore les thèmes de l’amour fraternel et du sacrifice à travers une guerre entre deux peuples. Le spectacle met en avant des artistes renommés du baroque, avec des performances de Reinoud van Mechelen et Andreas Wolf, notamment. La danse est intégrée au cœur de la dramaturgie, illustrant la richesse émotionnelle et musicale de Rameau.
En français et surtitrée en anglais.
Dans Le Tartuffe, Molière met en scène un imposteur opportuniste qui se drape de dévotion pour s’introduire dans le riche foyer d’Orgon. Flairant les failles du maître de maison, Tartuffe gagne rapidement pouvoir et influence, jusqu’à intoxiquer toute la famille. Orgon, aveuglé par la rhétorique obscurantiste de son protégé, refuse de voir le venin qui ronge son intimité et provoque l’implosion du clan.
Le metteur en scène Jean Liermier rappelle que, chez Molière, les femmes agissent comme des boussoles morales : leur lutte pour la liberté incarne l’espoir et nourrit la résistance. Créée en 1664, la pièce utilise l’alexandrin pour révéler une fable toujours actuelle, qui fait écho à notre XXIᵉ siècle gangréné par l’égotisme, le fanatisme, les sectarismes et le complotisme. Dans un décor épuré où se détachent les lignes austères d’une famille corsetée par l’obsession d’Orgon (interprété par Gilles Privat), Molière nous murmure que la peur, la fascination, la tentation de réécrire l’Histoire et la loi du plus fort mènent toujours la société à la souffrance. À nous de décider si nous tomberons, nous aussi, dans le piège de Tartuffe.
Dès 12 ans.
Portée par Françoise Boillat, cette mise en scène intime de l’Antigone de Sophocle réinvente la tragédie par une théâtralité épurée et élémentaire. L’actrice affronte l’autorité et l’allégeance au pied de sept arbres remarquables, dont la présence silencieuse encadre les tensions entre loi, nature et liberté personnelle. La proposition privilégie gestes tranchés, physicalité rapprochée et intensité vocale brute, laissant héritage et dissidence résonner dans le vent et les ombres. Le public est invité à une rencontre méditative et tactile avec le mythe.
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