À ne pas manquer : Événements qui durent moins de deux semaines
Blade Runner (Director’s Cut) de Ridley Scott (1992, 1h56), organisé par la Société de Lecture, en présence du Professeur Alexandre Pouget.
Le Director’s Cut de Blade Runner de Ridley Scott est un néo-noir hallucinatoire qui explore la mémoire, l’identité et ce que signifie être humain. Dans un futur baigné de pluie et de néons, le film mêle une photographie atmosphérique et mélancolique à des questionnements philosophiques sur la création et l’empathie. La performance sombre de Harrison Ford et la musique emblématique de Vangelis créent une atmosphère poignante et élégiaque, soulignant des thèmes de mortalité, de désir et la frontière floue entre l’homme et la machine.
En VO anglais, sout-titré en français.
Théophile Alexandre dialogue voix et mouvement dans un baroque épuré, vibrant et résolument contemporain. Chanteur et danseur, il livre une création puissante et singulière portée par le piano de Guillaume Vincent et la chorégraphie de Jean-Claude Gallotta. Vingt et une pièces ciselées se déploient comme les 21 grammes de l’âme : la musique devient chair, le geste se fait mélodie. Entre chefs-d’œuvre connus et trésors oubliés, le spectacle propose un voyage sensible et intime à travers les émotions.
La chorégraphe Chiara Bersani invite le public dans le sous-bois d’une forêt imaginaire, en duo avec la danseuse Elena Sgarbossa et avec la participation d’un groupe issu d’un workshop. La pièce met en scène des corps empêchés qui interrogent le mouvement, la vie et la survie, et réfléchit à l’alliance et au soin partagé. Sol vibrant, voûte sonore et attention spatiale commune transforment la lenteur et la mémoire du corps en forces de métamorphose et fondement d’une communauté réinventée.
Adaptée et interprétée par Felipe Castro, cette mise en scène solo interroge l’absurdité de la guerre, le nationalisme meurtrier et la misère brute au coeur de l’écriture de Céline. L’accompagnement de José Lillo soutient un jeu à la langue charnelle et musclée tandis que la scénographie de Natacha Jaquerod, les lumières de Rinaldo Del Boca et le son de Jean Faravel sculptent des atmosphères sèches et oppressantes. Le spectacle mêle images cruelles et instants d’humanité, révélant la vocation de médecin de l’auteur.
Véronique Déthiollaz et Guy Schibler proposent un dialogue entre dessin et photographie qui affronte la mortalité à travers le rire, le désir et la fête. Les dessins de Déthiollaz, souvent au crayon graphite, parfois au pastel ou à l’encre, misent sur une figuration ironique et grotesque — squelettes moqueurs, faucheuses humiliées — tandis que les séries photographiques de Schibler explorent les sculptures funéraires et les paysages de cimetières, révélant une sensualité provocante. L’ensemble interroge comment l’humour, l’érotisme et la fête refusent l’oubli et réaffirment la vie.
« Les Trois Soeurs à Trois » du Collectif BPM à la Maison Saint-Gervais propose une relecture inventive de la pièce de Tchekhov. Les artistes Catherine Büchi, Léa Pohlhammer et Pierre Mifsud revisitent cette œuvre classique en incarnant des journalistes enregistrant une émission radiophonique. Ils racontent l’histoire, réelle ou fictive, des différentes mises en scène de la pièce, tout en partageant des anecdotes personnelles et familiales, offrant un regard amusé et caustique sur leurs propres rêves et illusions.
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Événements qui s’étendent sur une période prolongée
Matthias Lecoq interroge la ville contemporaine comme milieu d’existence, en scrutant comment ses formes urbaines conditionnent la subjectivation et l’apparition. L’exposition s’articule autour de peintures abstraites qui traduisent des forces urbaines — densité, seuils, champs, circulations, épuisement, élan — tandis que des photographies ancrent le propos dans des situations ordinaires. Diagrammes, cosmologies et fragments textuels complètent le dispositif comme outils de pensée. Lecoq montre quelles structures rendent possible l’émergence collective et individuelle en milieu urbain.
Le Collectif Détente présente des œuvres qui font du tissu et du vêtement des vecteurs spectraux de mémoire. À travers installations textiles, vêtements sculpturaux, assemblages et un volet filmique, des artistes tels que Ryan Gander, Meret Oppenheim et d’autres explorent les hantises domestiques, les héritages occultés et les peurs collectives. L’exposition met en scène des présences fragiles et inquiétantes qui raniment récits interrompus et traces intimes, employant la tactilité matérielle et des formes suspendues pour dévoiler comment objets quotidiens et espaces de vie gardent des histoires visibles et invisibles.
Avec Soft Gravity, Domum explore la matière et la sensualité des formes à travers diverses voix contemporaines du design et de la création. L’exposition, conçue comme une constellation sensible, présente des formes suspendues, charnelles et sculpturales qui s’entrelacent. Elle invite les visiteurs à une expérience entre fragilité et force, mémoire et présence.
Vernissage : jeudi 13 novembre, 18:00 – 21:00
Taste Contemporary présente Ways of Looking, une exposition personnelle du peintre britannique Ben Sadler, qui réunit les 24 portraits de sa série 2024 You and I ainsi que des œuvres récentes. À travers de petites peintures discrètement saisissantes représentant des visiteurs d’exposition imaginés, Sadler saisit des expressions fugitives et des mondes intérieurs — des personnages qui croisent notre regard ou s’en détournent, pensifs, amusés ou absorbés. Subtiles et poignantes, ces œuvres explorent l’expérience à plusieurs niveaux des expositions : l’art, l’espace, les personnes qui s’y trouvent et les liens non dits entre elles.
Vernissage Jeudi 22 janvier, dès 18:00.
L’exposition vous invite à un voyage anatomique à travers des écorchés, moulages, cires et livres anciens illustrés. Les microscopes et outils modernes, comme l’imagerie médicale et l’impression 3D, révèlent l’intérieur des organes, utilisés actuellement par les étudiants en médecine de l’Université de Genève. Des dispositifs interactifs permettent aux visiteurs de tester leurs compétences d’anatomistes au bord du lac. Collaboration avec l’Université de Genève. Certaines images peuvent heurter la sensibilité des plus jeunes et des personnes sensibles.
Ghislaine Heger présente une série photographique de portraits mettant en lumière 101 femmes de Suisse romande et leurs expériences des cheveux gris. Associant images et témoignages, le projet interroge les attentes sociales, le regard genré et les moments intimes liés à ce changement visible.
L’exposition suscite des questions d’identité, de dignité et de résilience, proposant des récits nuancés et empreints de douceur qui montrent comment les histoires personnelles croisent les attitudes culturelles face au vieillissement.
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